Dios

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Novios

Hacía tiempo que no publicaba fotos de pinturas acá. Estas son dos de 40x70. Las hice a partir de unos collages que tenía guardados en una carpeta desde hace varios años. No sabía bien que hacer con esos collages.Empecé pegándolos en la tela, para pintar encima, así que se nota el relieve del papel. Por alguna razón quise que se note, por más que le quite unidad a la superficie.  Quise crear una tensión entre los collages y la pintura. 

¿Que pueden aprender los artistas callejeros estadounidenses del graffiti egipcio?

"¿Que pueden aprender los artistas callejeros estadounidenses del graffiti egipcio?"


Ese es el título de la nota que estoy leyendo. Plantea que en EEUU el graffiti se transformó en una moda mientras que en Egipto es una herramienta de lucha política, un arma.

Dice que en EEUU las luchas son entre "nenes de mamá"  que se pelean por bouldeces "street artists vs. graffiti artists". Y se plantean cosas como si es lícito exhibir con curadores célebres, que se dedican a vender. Si está bien trabajar con marcas como Louis Vuitton, o con magnates de bienes raices.

                                          

                                          

La nota entera (en inglés) está acá: http://flavorwire.com/189155/what-american-street-artists-can-learn-from-egyptian-graffiti

                                     
Y acá pego el texto original entero por si en algún momento desaparece la página original...

What American Street Artists Can Learn from Egyptian Graffiti

2:00 pm Wednesday Jun 22, 2011 by Allese Baker

Graffiti has long been a way of asserting power, splashing and spraying imagery of cultural resistance over the structures and buildings of the ruling elite. And so it is no surprise that, as the uprisings in Middle East countries like Egypt have gradually become the white noise of the Western news cycle and public protests have become far harder to stage, graffiti has exploded into the streets.

Where in the United States, graffiti art has become something of a fetish among collectors, curators, and celebrities alike, in the Middle East, it is a political tool, a far cry from the subject of a blockbuster retrospective, like Jeffrey Deitch’s Art in the Streets. Additionally, as the popularity of graffiti and its begrudged brother, street art, has grown in the US, its identity has become increasingly fragmented. Battles over street artists vs. graffiti artists (i.e. art school kids who create intricate wheatpastes in their studios vs. those who spray paint with bottles in illicit dark spaces) pervade the genre, as well as questions like: Is exhibiting with celebrity curators like Deitch selling out? Is working with major fashion brands like Louis Vuitton selling out? Is working with real-estate moguls like Tony Goldman — aka king of gentrification in New York’s Soho and Miami’s South Beach, the same Tony Goldman that partially subsidizes the graffiti-happy New York gallery The Hole, which also curates the Houston wall, one of the most legendary graf-spots in New York — selling out? If so, then a substantial number of American graffiti artists, are, well, sold.

Last week, Gareth Harris of Art Newspaper published an article investigating the way the uprisings in the Middle East have affected artistic production, reporting that while more Middle Eastern countries than ever participated in the international fairs like Art Basel and the Venice Biennale (and received a great deal of attention), the real effects can be seen on the streets. Fatenn Mostafa, a Cairo-based art adviser, shared that “Art patrons emerge from the wealthy. Many of Egypt’s business tycoons and mega art collectors are either on trial, in jail or have escaped following accusations of illicit financial gains … as dictatorships fall, so do many of the business people surrounding old regimes. We will see this in Syria very soon … It will take time for the Arab Spring to translate into art collecting. The wealthy are more focused on reviving the economic wheel and the intellectuals/artists do not want to miss the chance to fight for ‘serious’ democracy.”

As a result, artists have taken to the streets, inscribing the demands of their particular revolution across the walls and buildings of their respective cities. In nations of political unrest, art has a job to do, a message to spread, and Mostafa says that artists are subsequently motivated by a unifying political objective: you either have artists who act as “spokespeople of their impoverished, struggling jailed population” or artists who begin to paint their revolution across public spaces: “some of these graffiti walls are so strong visually that they are now used as logos among the masses.”

It is thus interesting to consider the crisis over graffiti and street art in America next to the emerging landscape of graffiti and street art in the Middle East — which last month found itself in the Western media spotlight after a handful of Egyptian graffiti artists were detained prior to the May 27 protests. While as illegal markings on walls, graffiti is by nature political, the Egyptian works are explicitly so, as there is no debate over subject: The subject is, must be, political resistance. Egyptian artists are then creating graffiti and street art within a sort of contextual constraint, which forces one to be more precise and creative (the way a poet working within the structure of sonnet or haiku must be).

The following selection of Egyptian street and graffiti art evidence what working within a unifying subject matter and with a common goal can do. Each work is bound in a blustery rage that reminds one how invigorating it can be to use aesthetics to fight for a certain freedom — be it from an oppressive government, against a war, for basic human rights. Perhaps these are lessons American artists need to remember as they consider lending their time and creativity to designing bikinis for Lindsay Lohan or helping beautify Goldman’s walls in the hippest possible way, instead of creating work that imaginatively tackle subjects that desperately need public address: healthcare, marriage equality, reproductive rights, the rapidly disappearing funds for the arts. The latter was made most palpable yesterday, when the Brooklyn Museum pulled Deitch’s exhibition, which was to travel from Los Angeles to New York, as the museum lacked the funding to exhibit the artworks of the most legendary American street artists. How ironic.

Click through below for a gallery of powerful graffiti from Egypt:

Miguel Hachen VS Paredones Muralismo 2

Yo sinceramente creía que no valía la pena seguir diciendo cosas sobre esto. Pero encontré algo para ilustrar muy bien lo que pienso. Acá también hay artistas que se quejan del plagio cibernético de sus murales:

"Tremenda desfachatez

La red es inmesa, y a la vez muy pequeña, 

así navegando acabas encontrando muuuuchas cosas, últimamente 
muuuuchas copias, que avisas por 
teléfono 

y la gente quita de inmediato, pero mira tu por 
donde

te sale alguno con tremenda desfachatez.

Hoy he dado aviso a una página que vende MIS 
diseños,

que tengo perfectamente registrados por cierto,

en forma de cuadro y se quedan tan anchos, pero 
es que tienen distribuidores para Madrid, Andalucia,

Islas Canarias y Allicante, casi nada. 

Así que he llamado al tal German que pone en el 
contacto 

y me ha dicho, que no conoce la pintorería de nada, 
y que sus cuadros están cambiados, es la primera vez 
que 

realmente me enfada la actitud de alguien a quien llamo

por este tema, es que tiene una cara el tipo de 

impresión. Os pongo las fotos en las que aparecen 

lo que me han

copiado a mi, pero también hay copias de Playá, 
Carmen

y bbideal. Tengo todo guardado por si las interesadas quieren el 
material para poner la correspondiente 

denuncia como yo ya he hecho. En fin yo pongo las 
fotos

y ya me direis si conoce la pintoreria o no la 
conoce..."

Y lo que les robaron fue esto (había más):

 

Y digo esto más allá de que estoy seguro de que Lucas no le robó nada a Hachen.

 Sé que en él el uso de las guardas vino luego de un período de investigación, 

que venía por el lado de Camarena:

 Una investigación relacionada con formas interiores que continúan

 las direcciones generales, algunas cuestiones de ritmo

 y de composición que no tienen tanto que ver con las guardas en si.

No iba a decir nada yo. Pero me alegró encontrar esto,

que es muy bueno para  ilustrar cuál es la clase de artistas que se anda quejando 

de que los plagian. 

fuente: http://paredesdivertidas.blogspot.com/2011/06/tremenda-desfachatez.html

Georges Collignon

Georges Collignon

El otro día buscando imágenes de Georges Mathieu encontré imágenes de otros pintores del grupo CoBRA.

Yo creía que habían sido todos informalistas. Pero no, encontré varios que eran expresionistas más ortodoxos. También encontré a Georges Collignon, que me gustó mucho. Da la impresión de hacer los bocetos con collage, como si fuera recortando bandas de papel y después las pegara ¿No? Igual es algo que me imagino, es increíble lo difícil que es encontrar información sobre el proceso creativo de los pintores.

Hay un sitio muy lindo de Georges Collignon:  http://www.georgescollignon.be/

También tiene cosas más gráficas, como esto:

Y tiene mucha obra así, con estas texturitas, pero no se... no me resulta tan contundente como lo otro:

¿Que significa la obra? 2

Ponele que yo agarro una birome negra y dibujo en un bloc esto que se ve arriba ¿Que significa? eh...

Bueno, es un hombre. Entonces escribo "hombre" en un papelito, y el dibujo y el papelito ahora son equivalentes, significan lo mismo ¿No? 

Si el dibujo fuese un signo debería ser así. Y si no es un signo entonces no significa. No alcanzo a comprender que es lo que pretende la gente que pregunta "¿Que significa?"  Están parados ahí y miran el mural que estoy pintando ¿No ven que hay una imagen en la pared? ¿Tan poco valor consideran que tiene esa imagen que estarían dispuestos a cambiarla por un par de palabras? 

Yo siempre pensé así. Y hace un tiempo me alegró ver que Roland Barthes también dice que la imagen no significa, y  además entendí un poco mejor porqué  no significa:

“Una tercera y ultima observación: algunos de los redactores de la compilación han visto muy bien que había “sentido” en la imagen, que era “signo” o “lenguage”; estas palabras tiene hoy un prestigio feliz; permiten sugerir que pretenden reaccionar contra una interpretación puramente estética o mecánica de los objetos culturales. Lamentablemente, estas expresiones son en general metafóricas; son maneras de hablar, opciones que elegimos y que luego nunca fundamos. Ahora bien, toda “significación” (con mayor motivo todo lenguage) implica una estructura muy precisa; no podemos contentarnos con decir que una cosa “significa” sin entrar en una técnica del sentido, es decir, en una semántica que es tal vez, como hemos dicho en otra parte, mucho más típica que los mismos significados (además, hablamos de buen grado de significación, pero nunca de significantes y de significados, lo cual es una proeza). En resumen, recurrir al signo sin extender el recurso a la estructura que lo constituye es ir demasiado lejos o no lo suficiente.”

(Barthes Roland “La torre Eiffel: textos sobre la imagen” 1ª ed- Bs As: Paidós, 2002- p. 49)

El Ouroboros Tumbero del Gauchito

Hoy a la mañana fui al Palais de Glace a retirar mi cuadro del Gauchito, lo había presentado en pintura, pero no quedó...

Antes seleccionaban muchas más obras, y escuché ahí que antes también se presentaba mucha menos gente.

De todos modos si no quedó es porque no se lo pedí al Gauchito, debería haber hecho el ritual. Acá en Avellaneda hay un altar grande, en un "cruce de caminos" como corresponde, en Dominico.Pero no fui...

Es un cuadro grande, de 200x150, está pintado en acrílico y collage. En la foto que está acá abajo se ve la faca que le puse al Ouroboros . La encontré abajo del puente del viaducto, mientras pintaba mi mural de Mujeres Argentinas. Cuando lo vi pensé "Que raro que se dobló el tenedor-lo habrá pisado un camión,pero es muy simetrico-¡Ah, no, es una faca!-Se lo tengo que poner al Gauchito". Y es que era justo el día anterior al que lo presenté al Salón, ya había pedido el flete y todo.  

Ciberfauna

Terminé la chica, es una especie de ciberfauna. Me viene obsesionando desde hace meses esto. fue saliendo en bocetos como este:

Pero en realidad viene de mi primer mural, del año pasado:

En ese momento esas estructuras eran como ruinas de monumentos sumergidos en el río y la chica estaba aparte. Es curioso que en esta primera imagen la chica tiene una cámara en su mano. Y la ciberfauna ve por una especie de cámara incorporada al casco...

En esta foto desde la terraza del paseo se ve que es alta la figura, está pintada en una escala bastante grande. El Viernes le voy a sacar una foto con gente adelante, toca una banda de jazz, así que va a haber gente...

Y acá está desde abajo, tiene como una textura la pared, está bueno cuando la textura queda en la piel.

Decálogo del asco

Esta semana encontré esto en un blog, me dió bastante asco: 

"Decálogo de autoayuda para espectadores intimidados por las exposiciones de arte [versión 2011].

1. No preste demasiada atención a lo que dice el artista sobre su propia obra; los artistas no saben bien por qué hacen lo que hacen, ocultan el rastro incierto que los llevó a un hecho estético bajo el trazo legible de una finalidad política o social, la grieta que abren con el arte la taponan con la lápida de un título pomposo. Las declaraciones de muchos artistas son producto de la culpa que sienten por el ocio creativo que detentan.

2. Anteponga el arte al artista; usted puede estar a solas con la obra de arte, sea insaciable y egoísta —más no celoso o autista—.

3. ¡Deténgase! No permita que el prestigio de un galardón o un caso de censura sea lo único que invita a mirar con atención una obra de arte; las alabanzas o las canalladas son como las tetas: una esta mal, dos son perfectas, pero tres, aunque le añadan volumen al argumento, son monstruosas.

4. Si usted descubre la fórmula que compone una obra de arte tenga cuidado con atribuirle una preparación demasiado precisa, la facilidad de los resultados es engañosa.

5. Las obras de arte sólo exageran algo que usted ya sabe; en algunos casos el desprecio radical que usted siente por una obra no es más que una forma velada de autocrítica.

6. Póngale comillas al “crítico”; desconfíe de todo discurso que en miras a ganar contundencia no matiza: el enfrentamiento con una obra de arte exige un escudo de armas cargado de interrogantes; cambie el “es” del crítico por el “tal vez” del lenguaje. Solo el arte es más verdadero que la política o la religión pues abraza la incertidumbre y miente con la verdad: déjese amacizar, déjese engañar.

7. La cultura ha parido los únicos tres enemigos que tiene una obra de arte: el artista, el crítico y el espectador, —intente por un breve momento no ser como ellos—. Cuando la cultura va, el arte ya ha ido y vuelto, si la cultura es el registro civil de la estética, las obras de arte son hijos ilegítimos que no hay que registrar en notaría.

8. Ante las explicaciones, dude; no trate de conocer las obras de arte, trate de comprenderlas; devuelva a sus ojos la ignorancia, vaya paso a paso en su lectura, evítese los resúmenes. Describa e interprete; no interprete primero y luego describa.

9. Llegue a las obras de arte cuando están distraídas, ¡sorpréndalas!

10. Sea profundamente superficial, mire al frente, mire abajo y mire arriba; son los espectadores superficiales los únicos que no juzgan por las apariencias. Si sólo quiere ideas acuda a una iglesia de cienciología; si sólo quiere formas vaya a un almacén de pantuflas; pero si es incapaz de separar la forma de las ideas, ensaye una dulcería o disfrute de la exposición de arte. Las exposiciones de arte son una pasión quieta, una nadería comparada con la orgia titilante e interactiva de las experiencias mediáticas actuales. Aprenda algo de la quietud del arte, esa indiferencia esconde un regalo: usted dejará de existir por un instante.

(Publicado en Revista Arcadia # 46)"

¿Por qué me da asco?

No se si está tan mal lo que dice.  Quizás para alguien que realmente está intimidado por las exposiciones de arte estaría bien seguir estas instrucciones. Lo que me parece repugnante es que es una serie de actitudes. Como si para usar las obras de arte bastara con adoptar una serie de actitudes, y ya está...

Las obras deberían ser un soporte para trabajar sobre uno mismo. Si alguien se siente intimidado por las exposiciones de arte quizás no esté mal ¿Porqué estaría mal?

El espectador intimidado debería empezar un diario. Escribir sus impresiones cada vez que visita una exposición de arte, escribir mientras está ahí. Después, cuando tiene bastante escrito debería leerlo, resaltar lo que le parezca importante. Escribir porqué eso le parece importante. 

Si eso que escribe lo publicara en un blog sería muchísimo mejor, sería un muy buen blog. Y hasta le llegaría a interesar a los artistas sobre los que escribe.

Sin embargo nadie hace eso, nadie está lo suficientemente intimidado como para hacerlo...

A mi lo que me intimida son las chicas con exoesqueleto.

fuente:  http://lucasospina.blogspot.com/2011/06/pare-de-sufrir.html