Exposición de Faradje en el CC Recoleta

La verdad que no pensaba ir a la inauguración, me desconecté mucho de todo ese ambiente. Iba a ir después tranquilo. Pero volvía de trabajar, estaba en Once, en la terminal del Sarmiento y crucé a comer en Banchero, no había casi nadie ahí. Es rarísimo, a esa hora en Once está lleno de gente y los bolichitos para comer están llenos. Bueno, Banchero no. Y ahí me puse a mirar los cuadros grandes que tienen ahí, tipo murales. Muy buenos, unos paisajes de La Boca. Salí, caminé 2 metros para la izquierda, para el lado de la parada del 98. Y me dí vuelta, me puse a caminar para el otro lado, y caminé hasta el CC Cutural Recoleta. No pude no ir.
La verdad que hice bien, increíble la muestra.

En las fotos lo que llama la atención es el cambio en el contenido, en los temas. Todo el trabajo sobre el peronismo, y  además aprovechó el rojo que siempre usa para representar a los federales. Pero cuando uno entra lo más impresionante es la presencia que tienen las obras en cuanto a la factura. No son como los de la serie anterior. Estos tienen mucha más fuerza, son mucho más informalistas. Algunos tienen mucho relieve, les pegó como unos masacotes de hilo, enchastrados con cemento de contacto. Pero con un relieve como de 10cm. con ese relieve los soldaditos de plástico y los avioncitos que pega se intergran.  Y está trabajando sobre  madera terciada. Y usa mucha encáustica. Es rarísimo el efecto de las texturas. La encáustica tiene una textura mate, y es traslúcida, y en algunos me parece que usó esmalte sintético, más que nada rojo. Y al lado de la encáustica el sintético brilla mucho.

Bueno, no se... vayan a verla mientras todavía quedan catálogos!

El aspecto devorador de la pintura

Es común que la gente aficionada a la pintura diga que le gusta pintar porque ahí se olvida de todo, es como una terapia...

Eso es muy bueno, y es verdad. Pero a los pintores, la gente que está especializada, que sabe pintar, que pinta bien,  les pasa otra cosa. O la misma. Es común que los pintores tengamos problemas precisamente con eso. La pintura te hace olvidar de todo, pero eso genera locura ¿No es raro? Para unos eso es "como una terapia" y a los otros los vuelve locos. No locos locos, pero uno se cuelga, pierde la perspectiva frente al mundo real, incluso puede tener un ligero delirio, la pintura lo vuelve a uno medio megalómano. Hay pintores que creen que están salvando al mundo con lo que pintan. Y tiende a tomar todo. Al principio cuando uno estudia tiene que usar la fuerza de voluntad para concentrarse y ponerse a pintar, después lo difícil es parar.  

Me parece que lo que tengo que hacer es primero tener cierto control sobre mi vida, ordenar, relacionarme con el mundo real. Dentro de sa estructura darle un espacio a la pintura, y soltarla ahí, y que haga lo que quiera. Después volver.

La Reina de las Víboras

Esta es la segunda parte de esta serie de collages, son un poco más grandes. Miden 30x30cm. Es complejo componer en un espacio cuadrado. Siempre me olvido, pero complica bastante... Todo tiende a quedar en el medio, enseguida predominan direcciones ortogonales, un quilombo...

Pero bueno, acá están. Son un poco más sutiles que las anteriores, más trabajadas.

Como a las anteriores las empecé con lápiz, sobre una base turquesa. Dibujo con lápiz y regla. Creo que eso es algo que se me impregnó cuando vi la muestra de Lopez Osornio. Él es un concreto, pero no del todo. La estructura es concreta, incluso la forma, pero la factura no. Trabaja con cinta, pero después usa veladuras medio desprolijas, pega y arranca papel, muestra la pincelada. No fue algo intencional, creo que la mejor manera de influenciarse es esa, cuando algo queda impregnado en uno. Después eso se puede analizar, ahí ya se pueden sacar conclusiones y modificar el método de trabajo. Llevar esa intuición hasta sus consecuencias.

Turquesa 1

Son unas maderitas de 30x19cm. Estoy tratando de trabajar más por serie. Y empecé a usar regla. 

Me parece que el collage se presta mucho a trabajos más basados en el dibujo, algo espontáneo, abocetado. Como un paso previo para un proyecto más complejo. Porque en la cantidad salen cosas interesantes.

"MURAL DE PROTESTA INDIGENISTA" en obra

Una nena pasó por enfrente y dijo "¡Mirá mamá, están pintando un dragón!". En general los chicos entienden mejor que los grandes mis murales. Era una nena de unos 8 o 9 años.

La calavera es de lobo,generalmente el dragón tiene cabeza más bien de caballo. Pero de lobo también lo hace un dragón, ya no es una serpiente, la cabeza de serpiente es muy distinta. Y le agregué flequitos, tiene más pinta de Quetzalcoatl. Una estudiante de periodismo me dijo que este es un mural de protesta, será porque la mitología americana lo transofrma en un mural "indigenista" . No dijo "indigenista", pero eso era la idea. Osea... no entendió, en cambio la nena si. 

¡¿ Está mostrando el orto?!

¡¿ Está mostrando el orto?!

Si, está mostrando el orto. Es raro que soprenda tanto siendo que es lo que se ven en la tele a cualquier hora que uno la prenda, todo el tiempo. Y sin embargo en un mural la gente pasa y se lo pregunta a los gritos. 

Antes pasó otra cosa curiosa. El primer día fui y tracé algunas figuras, una especie de chica-sirena en el Riachuelo, con el puente viejo atrás y los silos. A la derecha todavía se ve un poco del Cthulhu que pensaba poner, y en una parecita vertical del medio había puesto una Cthulita. Y mandé algunos planos de color

.

Esa primera idea no funcionó. Desde enfrente lo único que se veía eran las puertas y la persiana. Es una pared con demasiada arquitectura como para una composición débil. Quedaba tan mal que ni siquiera me pareció necesario sacar fotos de eso. Me puse a dibujar y al final encontré una composición que me servía, una estructura de valor en aguada.  Así que me puse a pintar esa estructura encima de los planos de color.

Al otro día la gente me preguntaba porqué borré la chica. Pero no una sola persona,cinco. Y decían que la gente hablaba de eso, nadie entendía porqué había borrado a la chica. Y no estaba bien hecha, estaba dibujada de memoria.

A la gente de por si no le gusta la estructura. No le gusta que uno empiece con direcciones y planos de valor, y que vaya con el color de a poco. Esperan que uno dibuje primero las figuras y vaya coloreando. Pero lo que les parece una atrocidad es primero dibujar las figuras y después taparlas con una estructura que no tiene nada que ver.

Otro problema era que en la primera idea no había puesto el zócalo negro. Y las figuras salían del piso.
Cualquier coche que estacionara adelante arruinaba toda la composición. En cambio ahora los valores recorren toda la superficie, y la figura y las partes importante del tema están bastante altas.

Igual falta mucho, tengo que diseñar la estructura de valor de lo que falta.

Krokodil

"Krokodil" 70x90cm, acrílico sobre tela.

Tiene cierto aire grafitero esta pintura. Por estas formas modeladas con colores saturados, algo en el ritmo.

Es algo sutil, pero está. Últimamente estuve mirando muchas fotos de grafiteros.  Le empecé a prestar más atención al graffiti cuando vi a los 12 Brillos en Mendoza, tienen un nivel que yo nunca había visto.

Es raro como uno se impregna de lo que va mirando, de lo que le gusta. Aunque hace falta ser sincero con lo que uno pinta para que eso pueda manifestarse ¿Que sería ser sincero?

 Primero hay que hacer, y después criticar. Es un poco lo mismo que cuando uno empieza a trabajar con un proyecto propio. Hay gente que se pierde al principio. Dicen "Tengo que sacarme de encima todo lo que me enseñaron para hacer algo original", "Tengo que dejar la crítica de lado para poder expresarme", cosas así...

Eso no es ser sincero, es una sinceridad a medias. Terminan pintando basura, cosas espantosas, y en el fondo saben que eso es basura, si son sinceros. Pero lo contrario tampoco funciona. A alguna gente le pasa que ya sabe ver, sabe lo básico de la pintura. Pero no produce porque empiezan a criticar antes de hacer. Y entonces hacen siempre lo mismo que sus maestros. No hacen algo suyo, y por eso no se entusiasman, y terminan pintando a un nivel por debajo de sus posibilidades. Me parece que lo que hay que hacer es primero dejarse llevar, pintar mal, equivocarse, no criticar. Y después si. Después hay que criticar eso, ver qué es lo que no está funcionando, y arreglarlo, aunque sea un poco. A veces uno termina pintando mucho mejor que antes porque fue ajustando detalles que no funcionaban, uno a la vez. Pero para ajustar esas cosas primero hay que arriesgarse. Es decir, cometer muchos errores y después arreglarlos. Y al arreglarlos uno termina haciendo algo mucho mejor de lo que hubiera hecho si hubiese estado bien desde el principio. Ser sincero implica poner en juego las distintas partes de uno mismo que están en conflicto.  

Sin collage

"Caracol Solar" acrílico sobre tela 70x90 cm

Me compré 4 bastidores de 70x90. Estoy tratando de pintar con un proceso más lineal, sin tantas vueltas. Dibujando más, respetando más el boceto. Por eso es sin collage. El collage no lo usaba tanto por la textura, sinó porque me permitía hacer algo más intuitivo. Uno cuando hace collage puede ir presentando los papeles sobre el soporte y ver como quedan. Y así uno va eligiendo.  Y eso me llevaba a dar vueltas, un proceso que era armar cosas y destruirlas parcialmente, y quedaba la textura del collage tapado con pintura.  Lo que veo en el resultado es que así pinto con más modelado, como acercándome al claroscuro.  Un poco parece una ilustración así. Pero no me molesta demasiado, esas cosas hay que ir asumiéndolas. Quizás esta forma de trabajar me permita meter figura humana, con el collage resultaba algo más concreto y se complicaba. Nunca me gustó hacer la figura demasiado sintética, estilizada.
¿Se ve la serpiente?
Es como un ave-caracol-serpiente. Y el Sol atrás, pero no demasiado redondo. Me gusta como el borde izquierdo del plano amarillo, arriba a la izquierda, y el borde de la sombra azul, abajo a derecha, contienen la espiral.

Algo que me complicó fue que el bastidor no tenía la proporción del bloc, un MERIDIANO Nº3, donde dibujé el boceto. Pero no está del todo mal. Matisse decía que cuando uno pasa una imagen a un formato más grande había que concebirla de vuelta, no hacerla igual pero más grande. El cambio de formato cambia todas lasa relaciones, y hay que ajustar todo.

MUCHO COLLAGE-POCO COLLAGE

Sigo con estos bichos en acrílico y collage. Este es sobre fibrofácil, por eso tiene mucho collage.
En cambio este es sobre tela:

Los colores no salieron muy bien en la foto, los ocres se saturaron...

Pero igual se ve que tiene menos collage. Eso es porque sobre la tela es complicado pegar papel, , entonces me limito a ponerle un poquito de collage apenas, papeles chiquitos fáciles de pegar. Con el collage voy ajustando algunas formas, creando algunas tensiones, y nada más.

En general prefiero el soporte rígido, es más sencillo para trabajar, pero me limita en el formato, un cuadro grande en fibrofácil resulta pesado, difícil de manipular. Sobretodo si lo enmarcás, es pesado y podés romper el marco cuando lo trasladás.

Pero limitar el uso del collage es interesante.

En el collage de arriba empecé con el soporte negro, abajo en el medio se ve el negro del principio, le da fuerza a la imagen. Me parece que el negro queda bien con esos fondos casi blancos.

1er Encuentro de Arte Público en la Ciudad de Mendoza (Mosaico Gigante))

 Acá está el mosaico , ubicado en el Parque Central, con una personita adelante para que vean la escala...

Y esta es una foto sin reflejo.

La información oficial sobre el encuentro está acá: http://www.ciudaddemendoza.gov.ar/noticias/nota/1858#titulo

Me gustó mucho este encuentro. A diferencia de otros encuentros acá trabajamos todos sobre la misma obra, así que pudimos encontrarnos más. No es lo mismo que pintar todo el día solo y recién encontrarse con los demás a la noche. 

La obra estuvo dirigida por Carpita, que armó un primer diseño del espacio compositivo:

El primer día nos juntamos todos a bocetar, cada uno llevó lo que había preparado. Hubo que componer con todos esos bocetos, de relacionar esos bocetos se ocupó más que nada Carpita. De ahí salió este boceto:

Yo trabajé con mis compañeros del Taller de Muralismo y Arte Público, pero los demás en general trabajaron solos su parte, salvo Calzoni.  

Para mi lo mejor del encuentro fue conocer el potencial de la gente de acá de Bs As, mis compañeros del Taller de Mural. Ver como trabajamos en una situación así, exigente. Como trabajó cada uno. Y además conocernos más, convivir una semana. Es interesante que haya que hacer este recorrido para descubrir a la gente que uno tiene al lado.

Y lo que también fue fascinante fue la reacción de la gente que vino a trabajar participando del encuentro, que vino a aprender la técnica del mosaico moderno. Hubo 60 personas anotadas, pero fueron llegando más. Trabajamos con una técnica indirecta (que desarrolló el taller Jaguar Azul), pegando los cerámicos sobre una mediasombra, que después se corta y se aplica en la pared.  Imagínense toda esa superficie del mural, entera, cubierta de gente sentada pegando cerámicos...

La gente que se acercó a participar trabajó muchísimo, y estaban muy contentos, no se esperaban algo así. Creían que era algo así como un taller de bricolage, donde se aprendía a pegar cerámicos. Y les gustó mucho hacer una obra así entre todos, la idea es que el año que viene esto siga, hacer algo aún más grande.

La película de Banksy

La película de Banksy

En realidad no es sobre Banksy, es sobre Thierry Guetta, un tipo que filmaba  a los artistas y los acompañaba a hacer las pintadas y las pegatinas. De hecho Banksy fue el que le dijo que mejor hiciera la película sobre él mismo.
Tierry Guetta es muy cuestionado por la gente que hace street art. Porque el tipo fue exitoso desde que empezó a producir obra, vendió un montón desde su primera exposición, y empezó de grande.  Y la verdad es que lo que hace no tiene nada de especial. Pero creo que es como dice Banksy en la película, lo que hace Thierry es igual a lo que hacen los demás, pero él no es como ellos.
En la película cuentan que él perdió a la madre cuando era chico. Estaba en la escuela en el recreo y alguien le dijo "¿De que te reís? Tu mamá está muerta" y después se enteró de que si, había muerto. Y dice que eso tiene que ver con su obsesión por filmar. Él filmaba todo porque sentís lo efímero del momento, que eso se iba a perder para siempre. La desesperación por retener eso fue lo que lo llevó a filmar todo.
Yo creo que lo que encontró en el arte es una forma más adecuada para trabajar sobre eso, sobre esa necesidad tan intensa de trascendencia. Tardó en darse cuenta, pasó 5 años filmando a los artistas, y en ese tiempo aprendió mucho. Es mentira que él tipo no estudió, pasó 5 años aprendiendo con todos esos grosos. Y aprendió de la manera más tradicional, haciendo un trabajo de ayudante. Eso fue hasta que Banksy le dijo que debería producir obra, armar una exposición, servir un par de vinos...
Se llenó de plata. Pero porque él era un comerciante, no es que "se vendió" en vez de ser él mismo en su obra.
No se, mírenla, esta muy buena.

Un consejo de Picasso

"Pihuichén"

Un consejo de Picasso

Antes de  viajar a Mendoza otra vez quería publicar estas imágenes. Es acrílico y collage sobre fibrofácil, como los anteriores, los formatos son chicos o apenas medianos. Creo que los estoy juntando para ponerme a pintar grande, para usar de referencia , no tanto como boceto... 

Ponerme a pintar grande y agarrar estos para ver como resuelvo cosas concretas. Igual en la tela no conviene pegar pedazos demasiado grandes de papel, porque se pegan mal, o arruinás la tela apretando, se "destensa". Así que algunas de esas soluciones que se ven acá voy a tener que hacerlas enmascarando con cinta de papel.

Para estas pinturas me vino bien algo que decía Picasso. Decía que hay que cuidarse de las cosas lindas que aparecen cuando uno empieza a pintar un cuadro, que la obra es es fruto de sucesivas destrucciones de lo que va saliendo. Que no hay que tener miedo de destruir lo que uno hizo porque en realidad no se pierde, todo eso se va sedimentando. Y es lo que le da profundidad a la obra.  

"Retrato de un egipcio"

"Mandalita"

"Delfín"

"Turista japonés"

"Dragona"

"Huevitos de Dragón"

Mi mural en el 3° ENCUENTRO DE MURALISMO EN GODOY CRUZ - 2011

Este es el mural que pinté este año en el encuentro de Godoy Cruz, Mendoza. Es en un centro de salud.
El violeta de abajo ya estaba en la pared. Yo no tenía pintura violeta ni magenta, así que aproveché el color que ya estaba, el resto de la pared era del gris que se ve por arriba.
El tema del encuentro de este año era "Vivienda digna y acceso a la tierra" así que hice a la chica jugando con una casa de juguete, el motivo se transformó en una casita que sale de una casa más grande, algo así como un parto. Pero al ser un centro de salud tuve que poner cosas relativas a eso también, así que la chica está envuelta en vendas y a la derecha hay una figura con un caduceo y la cruz roja:





A la izquierda pinté una figura que es como una alegoría de las enfermedades, algo así como un virus con cabeza de calavera:



Al principio me quisieron echar de esta pared. Porque la gente de la municipalidad había hablado con el director del centro y en ese momento él no estaba. Pero cuando vinieron las doctoras a echarme yo ya había dibujado en línea azul por toda la pared, de punta a punta.



Las fotos salieron bastante mal, las tuve que sacar a la tarde, y la pared estaba en contraluz.
Es que en los encuentros hay poco tiempo, y a veces no queda ni un momento como para sacar buenas fotos. Voy a tratar de conseguir unas fotos que estén mejor...



La pared estaba en las calles "Lago La Niña Encantada" y "Lago Correntoso". Es un barrio donde todas las calles tienen nombre de lagos.

Gambito y Gasalla

"Gambito" 50x23

Me parece que lo que hace pintar cada vez mejor no es tanto un arendizaje técnico sinó el sentido. Ir encontrándole el sentido a lo que uno hace, y la expresión del sentido es la obra. Y no solamente las pinturas, es también todo lo que uno hace, es la obra entrelazada con el mundo. Y el sentido es lo que liga.
Por lo menos cuando uno ya aprendió lo básico de la técnica.
Pienso esto en relación con lo que estoy pintando ¿Cómo es que estoy pintando un cuadro atrás de otro si nunca pude? Antes pensaba más, dudaba, perdía el ritmo de trabajo. Salían menos pinturas, menos conectadas entre si...
En el sueño de "La casa de Attila" estaba el sentido. Pero lo tuve cuando ya estaba pintando la serie. Tiene que venir de antes, el símbolo tiene que estar en un sueño anterior.
Y si. Hay un sueño anterior, en el que se ve que ya se estaba cocinando esto:

Soñé con Gasalla. Había un acto en la Escuela de Bellas Artes, en la Belgrano. En la escenografía había unos biombos pintados. Afuera él estaba hablando con alguien, en la puerta.  Terminé mostrándole un bloc con dibujos. No estaban muy buenos, pero en ese bloc después había unos collages como los del TAROT, de ese papel.Estaban mejor.  Y se movían, los collages eran de unos bichos, un bicho parecido a uno de mis cuadros, color piel, con texturas y el fondo eran unos rayos fríos que se movían. Los bracitos, los ojos y la boca también y la cabeza se balanceaba.
Después había una escena con un nene verde, como las figuras de los oros, que lo tenían en brazos y giraba la cabeza para mirar al espectador. Yo pensé que debería pegarle rojo en los ojos. Lo sorprendente es que no era una animación. Las formas en el papel tenían un movimiento propio. Y yo las recortaba y pegaba. Seguían moviéndose de la misma manera que antes en el papel entero.
Después estábamos mirando como una película de mis collages. Y Gasalla me explicaba algo. 

 ¿Que carajo hará Gasalla en mi sueño? ¿No? Lo significativo es que no es un pintor. Cuando uno le muestra su obra a un pintor, a un maestro, recibe una crítica. Cuando uno no sabe pintar es imprescindible. Pero cuando es momento de producir y de sacarse de encima todo lo que uno tiene adentro no hace falta la crítica. Hay momentos en los que hay que superar la autocrítica para pintar mejor. Dejar que lo que está adentro salga, sin interferir en su camino. Son momentos en los que hay que crear un canal. Un canal que sintonice con esa vibración, con esa onda. 
Pero el sueño no se queda ahí. Además da una pauta sobre lo que tengo que pintar y cómo. Me remite al TAROT. Me dice que trabaje como cuando hice el TAROT, que empezaba cada carta y la seguía hasta que estuviera terminada, sin preocuparme por el resultado. Confiando en que todo se iba a acomodar en el conjunto. Y me dice que haga bichos.
Lo misterioso es eso del movimiento de los fragmentos de papel. Era fascinante el efecto. Habría que hacerlo, tendría que ser una animación, una videoinstalación. Pero también tiene que ver con darle dinamismo a la imagen por la composición, sin que esté animado.
Hace mucho, en el programa de Gasalla había una parte en la que iban artistas plásticos y mostraban sus cuadros. No se si era el mismo scketch en el que imitaba a Federico Klem...
Pero hay algo más. Es como cuando en los mitos hay un Dios que les enseña la técnica para producir algo a los hombres. A veces el Dios les enseña en sueños. Yo creo que es algo así este sueño.

Más cerca del mamarracho que de las obras clásicas

Hoy leí una entrevista que le hizo Ñ a Carlos Alonso, es una maravilla. Creo que más interesante fue esto:

"¿Cómo ve el arte hoy? Recuerdo una muestra suya, hace unos años. Se acercaban muchos jóvenes a saludarlo, con mucho amor. ¿Cómo es su relación con los artistas jóvenes? Cuando tengo oportunidad de tener relación, en general es porque se acercan a mostrarme su obra, o a tener algún diálogo que ellos creen necesario, que ellos creen que puede aportarles alguna experiencia, que es lo que uno puede aportar a esta edad. En general, me llevo muy bien. Y cuando veo lo que producen, a pesar de que el panorama pareciera tener una dirección única, una mano única, yo veo muchas expresiones. Encuentro acá cantidad de gente joven que está dibujando y exponiendo dibujos, por ejemplo. Cosa que me sorprende gratamente, desde luego. Pero al mismo tiempo, recuerdo una frase muy significativa de Gauguin: “Yo quisiera que mi pintura se acerque más al mamarracho que a las obras clásicas”. Creo que acá se ha cumplido un poco esta premisa que quería para sí mismo Gauguin: sí, hay mucho mamarracho, ¿no? Pero eso no quiere decir que no sea legítimo. De pronto, si era legítimo para Gauguin puede seguir siendo legítimo que su tiempo exija del lenguaje una actitud menos severa, menos esteticista, o sea más vital, más subversiva, en fin. Es la juventud la que va encontrando cuál es el mundo que quiere reflejar, cómo lo quiere reflejar y qué parte del lenguaje heredado tiene validez y qué parte hay que reinventar. Siempre fue así en la historia de las artes, ¿no? Estaba leyendo recién en Internet un artículo sobre el Premio Petrobras. Cuando viví en Italia en 1971, conocí la obra de Piero Manzoni, el que hizo las latas de “Merda d’artista”. Quiero decirte que esta historia escatológica de los calamares no trae una novedad. No tiene el valor revolucionario o subversivo que podían tener ese tipo de cosas, o el arte povera, que también es de los años setenta. Quizás en ese momento estaba más politizado, ahora es más como un juego, como un desafío, en cierta medida. Lo curioso es que esa rebeldía se premia. Aquello creaba polémica, recalentaba el ambiente, y esto no siento que lo recaliente. No."

 Y me llegó en el momento justo este texto. Yo siempre pinto con horror de hacer un mamarracho. En ese sentio soy muy tradicional. Y recién ahora estoy empezando a intentar divertirme más. Y que lo diga nada menos que Carlos Alonso, es... no sé , es el pintor argentino más tradicional que tenemos. Más que Roux ¿No?  Creo que Roux es más académico, pero no más tradicional. Bueno, no importa. Lo importante es esto que dice.

Interpretacion de un sueño +8 collages

"Murciégalo" 38x36

Hace unos 15 días yo le mostraba unas imágenes de murales del grupo Triángulo Dorado a Carpita. Dijo que es muy lindo lo que hacen, y que se ve que se divierten. Y que hay que divertirse cuando uno pinta. Y me dijo que yo me divierto. Y si, le contesté que con los murales me divierto, pero con la pintura de caballete no. Que no sé porque será...
Y me dijo algo clave "Es que vos no sos muralista, por eso te divertís. En cambio a la pintura de caballete la sacralizás mucho. Siempre partís de una crítica a sobre vos mismo, o sobre lo que hace otro. A mi me pasa al revés."
Eso es importante porque yo estaba convencido de ser muralista. Porque mis murales son mucho mejores que mis pinturas de caballete, en los murales realmente pinto mejor. Y me sorprendió darme cuenta de que pinto mejor porque no sacralizo lo que hago ahí. Así que después de esto intenté jugar más con la pintura de caballete. Jugar más enfocándome en el proceso, tratando de ver la técnica como si fuese las reglas del juego. Pero sin torturarme demasiado por el resultado final.
Usé soportes de fibrofácil, porque para usar collage la tela me limita. El collage permite ser más intuitivo.

"Tapita" 31x52

"Bucéfalo" 43x42

Intenté conservar el dinamismo del collage, no "ablandarlo siguiendo pintando demasiado arriba. Dejarle el contraste, incluso usé papel negro. En su libro "El Collage" Gowland Moreno recomienda usar papel negro, no explica bien porqué, y lo del soporte rígido también lo dice ahí. Otra cosa de ese libro que hice un poco fue probar los recortes de papel sobre el soporte vertical poniéndole un rulito de cinta de papel.

"El Diablo" 51x43

"Rabia" 36x43

"Con la ayuda de Dios" 38x33

Y entre que pintaba estas cosas una noche tuve este sueño:

"Era la casa de Attila. En las paredes había montones de cuadros que le habían regalado sus alumnos. Paro no eran ejercicios Attila. Eran como lo que hace la gente que pinta mal. Algunos estaban un poco mejor. Había uno en verdes neutros que tenía una estructura de valor. Muchos estaban totalmente combados. Se doblaban porque estaban sin enmarcar y eran de chapadur.  Incluso había trabajos en papel pegados  a la pared. En las paredes también había frases de Carpani, en esas letras impresas auto-adhesivas. Attila estaba en otra parte de la casa. Yo la recorría, no se si estaba bien. Por momentos se lo escuchaba. Había escaleras, era  caótica la casa, un laberinto. Las pinturas no eran obras conceptuales, nada demasiado posmoderno, eran como lo que hace la gente que pinta murales feos...
En una había como un chanco azul matizado en pinceladas abiertas con violetas."

"Adán" 59x50

En ese momento no le presté mucha atención al sueño. Pero este fin de semana no pinté, y estuve pensando.

Y habría que interpretarlo al sueño:

•  Attila: Es el maestro de mis maestros. Yo estudié con Faradje, que fue alumno suyo. Y con Carpita estudié mural desde chico y él también estudió con Attila. Yo mismo estudié un poco con Attila, llegué a estudiar el mismo año en que murió. Era absolutamente metódico Attila, muy criticado por eso. Pero en realidad lo que hacía era plantearte el ejercicio más sencillo posible, y recién una vez que lo hubiste resuelto te daba otra cosa más compleja. 
• La casa de Attila: Es un lugar íntimo.No era la exposición de los alumnos. Y las obras se cuelgan en las paredes por el valor afectivo, más que con un criterio estético. También tiene que ver con que la charla con Carpita fue en su casa.
• Las pinturas feas: Ningún alumno de Attila dibujaba cosas feas. Incluso la gente con más dificultades hacía croquis dignos. Attila cuando veía un laburo malo reaccionaba de una manera muy violenta.No es que lo de mi sueño fuesen pinturas especialmente malas. Era lo que se ve en todos lados, pero que lo tuviera él en su casa era increible. Estaban dobladas porque era chapadur, que tiende a combarse. Yo estoy pintando sobre fibrofácil, que es mucho más raro que se combe. Pero la cuestión es que el bastidor de tela es como más elegante.
• Las frases de Carpani: El mes pasado vi dos obras suyas en el Museo del Bicentenario. Hace unos años leí su libro "Arte y Militancia". Según Carpani las imágenes están cargadas de sentimientos, y serían como una fuente de energía. La obra concentra las emociones de la gente canalizadas por el artista. Y por eso decía que es mejor trabajar colectivamente porque así se ponen en juego esos sentimientos, una energía más solidaria, más combativa, según la circunstancia. Y al final decía que lo mejor sería que lo haga la misma gente, que el especialista se ocupe más de organizar, de dar las herramientas.
•  El laberinto: El proceso de pintar tiene muchas vueltas, muchas posibilidades. Uno nunca sabe adonde va a terminar, nunca se llega al centro.  Dice "no se si estaba bien"  porque el perderme por ahí tiene algo de transgresor. La pintura como la enseñaba Attila no era un laberinto, más bien era una autopista bien señalizada. 

Eso es lo que yo asocio con los elementos del sueño, pero el Laberinto además es un símbolo. En general se lo relaciona con ritos de iniciación, como hace Jung en este fragmento de Psicologia y Alquimia:

"Arisleo está en peligro de padecer el mismo destino de un Teseo y de un Piritoo, que en su nekya quedaron sujetos a las rocas del mundo de los infiernos, esto es, que la conciencia, que irrumpía en el espacio psíquico desconocido, queda dominada por las potencias arcaicas del inconsciente (...) En el mito heróico el objeto del descenso está caracterizado de manera muy general por el hecho de que en ese domino peligroso( profundidad de las aguas, caberna, bosque, isla , castillo, etc..) habrá de encontrarse el "tesoro difícilmente accesible" (joyas, virgen, elixir de vida, superación de la muerte, etc...)"  ( C.G. Jung.  Psicología y Alquimia, Buenos Aires 1957, pag. 360. Santiago Rueda Editores)

¿Entonces que quiere decir el sueño? Algo del "tesoro difícilmente accesible" encontré ahí, fueron unos días muy productivos. Encontré inspiración para pintar, para cambiar, eso si. El sueño trata de reconfortarme diciendo "Los Attilas también hacen pinturas feas, pero nadie las ve porque Attila las guarda en su casa". Es verdad que si hubiese seguido estudiando con un maestro pintaría mejor, pero el sueño muestra que pintando estoy encontrándome a mi mismo, que la pintura es parte de mi proceso de individuación. Si pintara bajo la dirección de otro (por buen profesor que sea) la pintura no me serviría para esto, tendría que perderme en otra parte, en otro aspecto de mi vida, el laberinto es inevitable. Y además ¿Que clase de artista quiero ser?  ¿Quiero ser el que pinta mejor? Solamente los que saben pintar se dan cuenta de eso, es el camino para ser un pintor de pintores. Pintás MUY bien y podés enseñar a pintar muy bien. Yo no estoy hecho para eso. Y ahí entran las frases de Carpani. Las "imágenes cargadas de sentimiento" son una definición que da Jung de lo que es un símbolo. No creo que Carpani hubiera leído a Jung, pero llegó a la misma idea y desarrolló un proyecto. El artista  como especialista que da las herramientas para la creación colectiva de símbolos. Símbolos que por su misma naturaleza son colectivos. Creo que eso es lo que dice el sueño. No se lo pude contar a mi analista porque está de vacaciones, de fue a una isla tropical.

"Mujeres" 35x50